Edition 2015

Hamza Halloubi est fasciné par l’espace entre fiction et documentaire. Dans son travail, il crée des histoires qui se situent quelque part entre l’histoire personnelle et l’histoire collective. Il s’agit d’une vision personnelle d’un événement, avec une approche subjective qui remet en question la vision officielle. Halloubi s’intéresse également à la grammaire et à la sémiotique du cinéma et du langage. Dans ses films, il développe une esthétique dans laquelle il tente de combiner la poésie interne des rencontres humaines avec une approche conceptuelle.

Ivre à Tunis est un livre de courts textes et de photogrammes qu’Halloubi a emprunté à un film vidéo avec une scène de nuit dans laquelle un jeune homme célèbre la fuite du dictateur Ben Ali. L’installation vidéo Late parle de l’intellectuel Edward Said. Il s’agit d’un regard artistique sur le parcours intellectuel d’un écrivain. Passage est une vidéo que Halloubi a filmée à Jérusalem. L’appareil photo était pour la plupart du temps dans sa poche lorsqu’Halloubi a visité la mosquée Al-Aqsa dans le vieux centre-ville. Cette image plutôt abstraite avec des sons de la ville en arrière-plan, y compris l’appel à la prière du muezzin, donne à la promenade ordinaire quelque chose de presque mystique.

Hamza Halloubi vit et travaille à Bruxelles, Amsterdam et Tanger. Il a étudié les arts visuels à La Cambre et a terminé ses études à la HISK de Gand et à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten d’Amsterdam. Il a eu des expositions personnelles à e.a. Argos à Bruxelles (2021), Musée De Pont à Tilburg (2020) et A Tale of A Tub à Rotterdam (2016). Son travail a également fait l’objet d’expositions collectives à e.a. S.M.A.K. à Gand (2019), SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT (2018), Witte de With à Rotterdam (2016) et EYE Filmmuseum à Amsterdam (2016).

Katrin Kamrau ne se contente pas de collectionner des objets, des estampes et des photos. Elle les installe dans l’espace de sorte que vous, en tant que spectateur, êtes mis au défi de réfléchir à l’utilisation de ces images dans les médias et la société d’hier et d’aujourd’hui.

Dans l’œuvre SPEKTRUM*objekt18(portrait)II de 2015, vous voyez 43 portraits, chacun contenant un pourcentage de jaune (Y) ou de magenta (M) de trop ou trop peu. Ces tirages sont basés sur la représentation schématique d’un nuancier que les photographes utilisaient autrefois pour créer des images aussi neutres que possible à un rythme rapide. Pour Kamrau, il s’agit de l’expression d’un modèle de pensée typiquement occidental. Elle met ce même mode de pensée en évidence dans SPEKTRUM*shelf de 2013. Six racks de photos zooment sur un paramètre de la photographie : le temps, le regard du spectateur, la perception, la lumière, la composition, etc. Si vous regardez l’ensemble, vous remarquez que le photographe exerce un certain pouvoir sur la personne devant l’objectif. Pour Testreihe I – VI de 2015, Kamrau a reconstruit une composition à partir d’une image test dans le cadre interactif d’un studio. Vous pouvez vous tenir au même endroit que le modèle dans l’image originale. De cette façon, Kamrau ne vous a pas seulement impliqué dans l’œuvre d’art, mais vous en a également fait prendre part.

Katrin Kamrau vit et travaille à Anvers. En 2013, elle a obtenu son diplôme du HISK à Gand. Elle a participé à des expositions collectives au M HKA d’Anvers, à l’Ikob d’Eupen, au Künstlerhaus de Brême et à la Haus der Photographie des Deichtorhallen, entre autres. En 2010, elle a reçu le prix « gute aussichten – junge deutsche fotografie » et en 2014 le GWK Art Prize.

Pour le Young Belgian Art Prize 2015, Lola Lasurt a présenté trois œuvres. Dans la Rotonde Bertouille, The Match (2014) elle exposait des dessins du match de football de 1976 dans lequel des femmes mariées ont joué contre des femmes célibataires lors de la fête annuelle du Parti communiste espagnol. Plus loin dans l’exposition, vous pouviez découvrir la bande dessinée Une visite au musée CP Nel avec Mo. Mo est le dessinateur de bande dessinée sud-africain Mogorosi Motshumi (°1955), l’un des représentants les plus importants de la bande dessinée sud-africaine dans les dernières années de l’Apartheid. Lasurt et Motshumi se sont rencontrés lors de la résidence de Lasurt aux Greatmore Art Studios au Cap. Ils sont restés en contact. La bande dessinée d’art montre des fragments de leur correspondance. L’installation vidéo Double Authorization (2014) a été créée à l’intersection de deux histoires liées à la commémoration dans l’espace public (d’une part un monument à l’anarchiste et pédagogue Francesc Ferrer i Guàrdia, d’autre part une place à Mont-roig del Camp, qui a été rebaptisée Plaça del Generalísimo Franco en Plaça de Joan Miró en 1979).

Lola Lasurt vit et travaille à Gand. En Espagne, elle a suivi toutes sortes de cours académiques et artistiques. En 2014, elle a terminé sa formation au HISK à Gand. Elle a eu des expositions personnelles à la Fundació Miró de Barcelone (2014) et à l’Espai Dos, Arts Visuals de Terrassa (2012), entre autres. Son travail a également été présenté à Manifesta 15 à Barcelone (2024), à la Biennale Fotonoviembre de Tenerife (2023), à Bethanien Berlin (2016) et à Netwerk Aalst (2016).

Pour leur installation à Bozar, les photographes Max Pinckers et Michiel Burger se sont inspirés d’une collection de matériel de propagande britannique sur le soulèvement du mouvement Mau Mau dirigé contre le gouvernement colonial britannique entre 1952 et 1960. Selon Pinckers et Burger, les images sont toujours politiquement chargées en raison de leur langage visuel. L’installation et le livre de photos qui l’accompagnait présentaient un corpus d’images composé de différentes parties qui entraient en dialogue les unes avec les autres. L’œuvre est prise entre deux stratégies contradictoires : la propagande coloniale et la représentation kényane contemporaine des Mau Mau. Dans la propagande britannique, les Mau Mau étaient dépeints comme des animaux. Ce qui contraste avec la représentation kényane contemporaine des Mau Mau, qui sont loués comme des héros combattants pour la liberté. Par ce travail, le duo a montré une interprétation visuelle d’un morceau d’histoire de ce pays qui fort souffert des idéologies successives. Les artistes ont souligné l’influence des images et leur pouvoir de manipulation pour façonner l’histoire.

Max Pinckers vit et travaille à Bruxelles. En 2012, il a obtenu son master en photographie au KASK de Gand, où il a également obtenu un doctorat en arts en 2021. Son travail a été présenté au Festival international de la photo Asama à Miyota, au Japon (2022), au Fotomuseum à Winterthour (2021), au Fotomuseum à Anvers (2017), au MOCAK à Cracovie (2016) et au Philadelphia Museum of Art (2015), entre autres.

Michiel Burger vit et travaille à Anvers. Il est titulaire d’une licence en photographie de l’Université des arts Artez d’Enschede et d’un master de l’Institut Frank Mohr de Groningue. Son travail a été présenté au Fotomuseum d’Anvers (2022), au STUK de Louvain (2020) et au New York Photo Festival (2011), entre autres.

Hana Miletić réfléchit aux questions de représentation et de reproduction sociale en faisant des liens entre la photographie et le tissage. L’artiste modèle ses textiles tissés d’après ses photographies documentant les ‘réparations’ qu’elle observe dans l’espace public. Miletić utilise le processus de tissage – qui nécessite beaucoup de temps et de dévouement – comme un moyen de contrer certaines conditions économiques et sociales au travail, telles que l’accélération, la standardisation et la transparence.

À Bozar, Miletić organise tous les jours des lectures en direct du recueil de poésie Tenir Paroles, un recueil basé sur les paroles de La Frénétick, un collectif de jeunes rappeurs bruxellois, dont Miletić est le mentor. Chaque jour, la collection était lue à haute voix par une personne différente qui répondait à son contexte personnel et social à travers des formes stylisées de langage. Miletić a mis en place une salle de lecture et d’écoute spécialement à cet effet. De cette façon, Miletić cherchait un moyen de partager les ressources spatiales et temporelles d’une maison d’art et d’essai.

Hana Miletić vit et travaille à Bruxelles. Elle a étudié les études de genre et a obtenu un master en histoire de l’art et archéologie à la VUB en 2005. Elle étudie ensuite la photographie à Amsterdam et obtient un master en beaux-arts à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. Elle a eu des expositions personnelles au XYZ Collective à Tokyo (2024), au MUDAM Luxembourg (2022), au Bergen Kunsthall (2021) et au WIELS Brussels (2018), entre autres. Son travail a également été présenté à Manifesta 14, Prishtina (2022), à la 4e Biennale des Rencontres d’art de Timișoara (2021) et à la Kunsthalle Wien (2020). En 2021, elle a remporté le 22e Prix d’art de la Bâloise.

Selon Emmanuelle Quertain, on a tendance à penser la peinture de manière trop académique. L’essence de l’art ne repose pas seulement sur l’habileté technique, mais surtout qu’elle offre différentes perspectives sur la réalité.

À Bozar, Quertain tente de montrer la frontière fragile entre la peinture et l’espace. Cela a conduit à des peintures qui montraient le même espace photographique en diptyque, à chaque fois placées dans un environnement « intérieur » et « extérieur ». Tout était baigné de la même couleur, quel que soit le contexte. Avec toutes sortes de nuances artificielles, Quertain adapte ses peintures à l’espace des pièces. Elle a conduit votre regard vers les notions de chaleur et de froid, de neutre et de teinté et vous a amené au point où votre œil relie le tableau et l’espace. À ce moment esthétique, vous avez vu l’espace et les œuvres avec un œil nouveau.

Emmanuelle Quertain vit et travaille à Bruxelles. En 2010, elle est diplômée de l’École de Recherche Graphique et en 2013, elle est résidente au WIELS. Elle a eu des expositions personnelles à EMERGENT à Furnes, KRIEG à Hasselt et CC Strombeek, entre autres. Son travail a également été présenté dans des expositions collectives au S.M.A.K. à Gand et au Musée Roger Raveel à Machelen-aan-de-Leie. L’œuvre de Quertain fait partie de diverses collections publiques telles que le Grand-Hornu du MAC et le M Leuven.

Emmanuel Van der Auwera s’interroge sur notre ‘connaissance’ visuelle : comment les images des médias de masse contemporains fonctionnent-elles sur différents publics et dans quel but ? Comment les codes et les conventions existants déterminent-ils le cadrage des événements et leur inscription dans notre mémoire collective ? Le travail de Van der Auwera réfléchit aux chaînes de production et de consommation des images et à leur responsabilité inhérente sur notre regard.

Au Bozar, Van der Auwera a présenté le film A Certain Amount of Clarity (2013). Le film se compose de messages vidéo qui ont été postés sur Internet. Chaque vidéo montre un adolescent et ses réactions émotionnelles lorsqu’il regarde une vidéo YouTube sur un meurtre réel. Les émotions vont de la passion morbide à l’horreur, au doute et à la curiosité. Vous ne voyez pas d’images du film original, seulement les réactions que le film a provoquées auprès du spectateur. Au cours du montage, Van der Auwera a alterné les expressions faciales de dégoût avec des reconstitutions et de déclarations comme ceux d’un témoignage au tribunal.

Emmanuel Van der Auwera vit et travaille à Bruxelles. Il est le premier lauréat de la donation Goldwasser décernée par le WIELS et les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique. Il a eu des expositions personnelles à la Haus der Elektronischen Künste à Bâle, à l’IKOB à Eupen et au Botanique à Bruxelles. Van der Auwera a également participé à des expositions collectives au Palais de Tokyo à Paris, à la Pinakothek der Moderne à Munich, au KW Institute for Contemporary Art à Berlin, au Kunsthal Charlottenborg à Copenhague et à la 8e Triennale de Yokohama.

Dans ses dessins au fusain Hannelore Van Dijck explore toutes sortes de surfaces. Le noir profond du fusain est raffiné et fragile. Le caractère temporaire du dessin renforce les qualités poétiques des matières fragiles. En oubliant de penser à l’idée de la conservation, l’artise rend au dessin sa vulnérabilité incontournable. Avec des dessins qui remplissent tout l’espace, Van Dijck interprète l’architecture originale d’un lieu et tente de créer un nouveau type d’espace.

Dans le travail qu’elle a réalisé spécialement pour les espaces du Palais des Beaux-Arts, Van Dijck a également interprété l’architecture de l’espace d’exposition. L’artiste a considéré l’expérience de la visite de toute l’exposition comme une promenade. À l’aide d’un tunnel, elle a délimité un passage dans le parcours déambulant à travers le Palais et a ainsi élevé la promenade au rang d’œuvre d’art.

Hannelore Van Dijck vit et travaille à Geel. Elle a étudié les Beaux-Arts à Sint-Lucas à Gand et a eu des expositions personnelles dans e.a. Musée d’art contemporain de Lyon (2019). Son travail a également été présenté à Be-Part Waregem (2017), à la Fundació Joan Miró de Barcelone (2015), au Drawing Centre de Diepenheim (2014) et au Voorkamer de Lierre (2012).

Floris Vanhoof s’intéresse au caractère hybride de la musique, de la photo et du film. Ses sources d’inspiration sont le film structurel et les débuts de la musique électronique. L’artiste fabrique ses propres instruments et installations et explore la frontière entre l’image (film ou diapositives) et la lumière (projection).

Pour Stripes, Vanhoof a appliqué la technique du « déphasage » au film. Steve Reich et Brian Eno ont utilisé cette technique pour les magnétophones dans leur musique. Des variations infinies de bandes horizontales superposées projetées par des projecteurs de 16 mm créaient un effet optique particulier. Dans sa deuxième installation, Vanhoof a utilisé quatre projecteurs de diapositives pour attirer votre attention sur le processus de regard lui-même au moyen d’une série de photographies de têtes monstrueuses. Avec cela, il a expérimenté la lenteur de l’œil, les images macro et le grain de la pellicule. Tout comme Stripes, où les rayures étaient parfois nettes, parfois floues et agissaient sur les muscles de vos yeux, cette deuxième installation permettait également une interaction avec votre corps et votre perception.

Floris Vanhoof vit et travaille à Anvers. En 2005, il obtient un Master en Arts Audiovisuels, spécialité cinéma expérimental, à Sint-Lukas à Bruxelles. Il a eu e.a. des expositions personnelles à la CINEMATEK à Bruxelles (2020) et au De Warande à Turnhout (2018). Son travail a également été présenté dans des expositions collectives au De Brakke Grond à Amsterdam (2024), Kunsthal à Rotterdam (2019), La Centrale à Bruxelles (2017), S.M.A.K. à Gand (2016), Netwerk Aalst (2015) et Museum Dhondt-Dhaenens à Deurle (2013).